Entre las fauces del sueño americano

«Si bebes un frasco que diga veneno es muy probable que tarde o temprano, te siente mal...», Lewis Carroll.

La Fundación Cum Laude y la MBA Graphic Arts presentan en el Centro Cultural Marcos Valcárcel la exposición Pure Pop Art con una serie de obras de artistas representativos de ese período artístico.

A mediados de los años 50 irrumpe el Pop Art, abreviatura de Popular Art, y referido a la cultura visual que estaban generando la publicidad y los mass media. Una concepción desencantada y pasiva de la realidad, sin intención crítica y distanciamiento afectivo. Arranca del inglés Hamilton aunque fue su identidad americana inspirada en el American Way of Life, la deshumanización, el consumismo y el capitalismo lo que lo extendió por todo el mundo. Este fenómeno se basa en apropiaciones y recuperaciones de objetos triviales, como el Dadaísmo, sin embargo, implica un concepto diferente, ya que el Dadá fue un movimiento antiarte, mientras que el Pop reivindica la condición artística de los productos de consumo masivo, creando obras a partir de objetos preexistentes que el artista dota de nuevos significados.

«Comprar es mucho más americano que pensar», decía Warhol. ¿Por qué todo el mundo ama a Andy Warhol? De las noches en el Studio 54 a The Factory. Todo el mundo quería pasar por su estudio de la calle 47. Artistas, escritores, músicos y celebrities underground del momento. Es el tiempo de la Velvet Underground y de los excesos. Andy es cool, excéntrico, ególatra y mitómano. Vampiriza y destruye, es irreverente, frío, tímido y distante, inteligente y vacío, un rey Midas caprichoso y voraz. Pero su obra desató la polémica sobre el papel del artista y la finalidad de la obra de arte. Forma parte de una vanguardia artística neoyorkina con su glamur y decadencia y su bussiness art que lo convierte en máximo promotor de su obra y audaz pyme. Anuló el concepto de autenticidad y unicidad de la obra de arte. Creó series miméticas eligiendo el estereotipo, el objeto publicitario sacado de los medios y su contribución artística será decidir el numero de reproducciones, tamaño de las ampliaciones, motivo y colores para imprimir esa imagen sobre tela o papel que en su Factory asumirá con una producción industrial de artefactos que irrumpirán como objetos artísticos en el mercado del arte. La representación múltiple repetida ad infinitum magnifica su impacto. Utiliza la fotografía serigrafiada mediante la impresión seriada de un mismo tema con variantes en el color eléctrico. Con ese proceso de desnaturalización crea una obsolescencia de la imagen anulando su significado inmediato, al descontextualizar sujeto y objeto del cuadro. Sus representaciones visuales por desagradables o atractivas que sean se aceptan al desvirtuarse de su sentido primitivo y ser insertadas en otro contexto así, representa de igual manera valores e ídolos reducidos al mismo análisis estético, Marilyn Monroe y la Sopa Campbell, Coca-Cola y la Silla Eléctrica estereotipando en un proceso simplificador, diseccionando en estructuras autónomas, en una deshumanización del mito y su banalidad así como la recuperación de las imágenes culturales convertidas en arte de consumo. Warhol representa el materialismo extremo del consumo después de ese vacío ambiguo del arte posterior a las vanguardias, con el aura de artista mediático y superficial.

Roy Lichtenstein monumentalizo las tiras de historietas dotando a los personajes de los cómics de la misma dignidad e impacto visual que Léger había dado al mundo obrero. Sus cuadros parten de una aparente reducción del dibujo a la sofisticación de un clasicismo atemporal de rigurosa calidad expresiva y plástica. La paleta se reduce al blanco y negro y primarios para después aplicar las extensiones de puntos que imitan las tramas de impresión o puntos Bendey y convierte las convenciones estéticas en clichés geométricos.

La sensualidad descarnada de las mujeres de Mel Ramos como objetos sexuales anónimos, reclamo estimulante para una mirada masculina en una paleta edulcorada y artificial. Robert Rauschenberg combina una serie de objetos insólitos, elementos del action painting con el neodadaísmo en una síntesis entre el ready made, los collages de Schwitters, el surrealismo del objet trouve y los combine paintings. Son un espacio inquietante entre la vida y el arte constituidos por partes de realidad, de gran intensidad vitalista y experimental. Keith Haring elevó el grafiti y democratizó la expresión de su creatividad indómita en el metro de NY. El arte como celebración de la humanidad y el símbolo, vitalista, imaginativo, dinámico e irónico. Un arte accesible al público en general ajeno a las barreras sociales. El profundo intimismo de Robert Indiana, un coleccionista de situaciones, recuerdos del pasado y procesos biográficos que ironiza sobre la sociedad americana a través de colores planos y diseños geométricos. Kaufman reproduce la idiosincrasia americana desde el icono y Pietro Psaier muestra sus acrílicos, serigrafías y collage entre arte y kitsch, haciendo de su vida una eterna incógnita.

En la muestra se pueden observar obras del mítico creador Andy Warhol

La exposición podrá visitarse hasta el próximo día 15 de diciembre